Każdy zna modę na hip-hop, gdy ją widzi, ale coraz trudniej ją zdefiniować. Można wskazać konkretnego rapera lub epokę, ale to nigdy nie uchwyci całego obrazu.
Jak hip-hop przeniósł się do głównego nurtu, linie są zamazane między tym, co jest i nie jest uważane za hip-hop. Jednak istnieje pewna idea, która wyjaśnia progresję i ewolucję stylu hip-hop:
Chodzi o postawę.
Czym jest moda na hip-hop?
Hip-hop to nie tylko gatunek muzyki, forma tańca, czy sposób ubierania się.
Hip-hop to kultura.
Wywodzący się z Bronxu w Nowym Jorku hip-hopowy styl życia – z jego muzyką, DJ-owaniem, tańcem i graffiti – stanowił ucieczkę od niezliczonych społecznych, ekonomicznych, politycznych i kulturowych sił.
Początki hip-hopu sięgają lat siedemdziesiątych, a moda odzwierciedlała odzież uliczną, którą dzieciaki z Bronksu miały już w swoim posiadaniu, jak kurtki bomberki, dresy i trampki z przerośniętymi sznurówkami.
Puma, Chuck Taylors i Pro-Keds zdominowały scenę sneakersową. Workowate ubrania były bardzo modne, prawdopodobnie z powodu źle dopasowanych ubrań z miasta. Ówczesna moda łączyła w sobie pomysłowość i streetwear. Było to mieszanie i dopasowywanie dostępnych ubrań, ubieranie ich i odkrywanie nowych sposobów noszenia ich z dumą.
Pół wieku później moda hip-hopowa, choć z pewnością bardziej mainstreamowa, pozostaje w dużej mierze taka sama. Nadal dominuje swobodna odzież aktywna i trampki; pomyśl o ostatnich kolaboracjach między artystami hip-hopowymi a głównymi markami odzieży sportowej.
Jednak wraz ze wzrostem popularności artystów hip-hopowych w XXI wieku nastała nowa era hip-hopu i wysokiej mody.
W pewien sposób zatarło to granice między tym, co było uważane za klasyczną modę hip-hopową a dzisiejszym stylem mainstreamowym, ale hip-hop to stan umysłu. To osoba nosząca ubrania czyni je hip-hopowymi, a nie na odwrót.
Moda hip-hopowa, ze swoją bezczelnością, umożliwiła noszenie i robienie tego, co się chce.
Kto zapoczątkował modę hip-hopową?
Moda hip-hopowa była częścią miejskiego życia, zanim jeszcze hip-hop powstał. Gdy artyści zaczęli zdobywać coraz większą uwagę pod koniec XX i na początku XXI wieku, idea mody hip-hopowej stała się mainstreamowa, ale w rzeczywistości zwróciła uwagę na to, jak młodzi mieszkańcy miast już się ubierali.
Hip-hop jako kultura rozpoczął się w dzielnicach Bronxu w Nowym Jorku w latach 70. na imprezach domowych.
Wcześni DJ-e tacy jak DJ Kool Herc i Grandmaster Flash grali przerwy w muzyce soul i funk, które podkreślały perkusję i linię basu, o czym później dał znać Kurtis Blow.
Wraz z nową muzyką imprezową, break dance był pierwszym aspektem kultury, który wybuchł. Raperzy szybko wskoczyli do mieszanki, aby utrzymać tłumy przez całą noc. Wczesne przykłady tego imprezowego klimatu to Sugarhill Gang i nowoorleańska muzyka bounce z lat 80.
Chociaż hip-hop bez wątpienia znajduje swoje korzenie w życiu ulicznym i pod pewnymi względami, pomimo wyraźnego kontrastu z disco, pewne aspekty disco miały na niego wpływ.
Najwięksi artyści hip-hopowi uznają dziś DJ Hollywood z Harlemu za pierwszego rytmicznego rapera, mimo że rapował on na utworach disco. Poza wpływem czysto rapowym, inny element disco ukształtował kulturę hip-hopową: modę.
W latach 70-tych ludzie ubierali się jak najlepiej, aby bawić się w klubach dyskotekowych, a młodzi ludzie z dzielnic o niskich dochodach przyjęli tę mentalność na imprezach w blokach.
Podobnie jak w przypadku samej muzyki, nie ma jednej osoby lub grupy muzycznej, która zapoczątkowała modę na hip-hop. Raczej każdy raper i DJ wniósł na imprezę swój własny styl, podobnie jak ekipy taneczne, które nosiły różne stroje jako uniformy, aby odróżnić się od konkurencji.
Jak to ma miejsce nawet dzisiaj, styl hip-hopowy opiera się na postawie, która sprzeciwia się ograniczeniom i granicom, podobnie jak kontrkultura lat 70. To użytkownik sprawia, że jego ubranie staje się hip-hopem.
Wczesne grupy hip-hopowe, takie jak Grandmaster Flash & the Furious Five, czy Cold Crush Brothers, wykorzystały teatralną stronę disco w swojej modzie, zakładając na występy kostiumy z wysokimi do kolan butami.
Melle Mel z Furious Five przyznaje, że skandaliczne skórzane stroje grupy kosztowały po 1000 dolarów, a nad ich wyglądem pracował krawiec.
Cold Crush występowali w pełnych garniturach i płaszczach z norek. Na początku lat 80. artyści wspierani przez Russella Simmonsa, w tym Kurtis Blow i Run-DMC, wyglądali czysto w sztruksowych garniturach.
Ale klasyczny hip-hopowy wygląd, który rozpoznajemy dzisiaj, został wykreowany przez Run-DMC, gdy zamienili oni swoje sportowe kurtki w kratę na codzienne ubrania uliczne. Ponieważ grupę określa się mianem The Beatles hip-hopu, nie bez znaczenia jest fakt, że to właśnie do nich odnosi się charakterystyczny hip-hopowy look.
Moda Hip-Hop lat 80
Run-DMC zachowali skórzane garnitury, ale także zachowali prawdziwe poczucie mody. Na scenie nosili stroje uliczne, co było niespotykane u ich hip-hopowych poprzedników. Trio było uosobieniem gatunku, łamało wszelkie zasady w muzyce i modzie. W efekcie fani przywiązali się do ich ubioru, w którym nie zabrakło dżinsowych kurtek, czarnych czapek z daszkiem i trampek z muszelkami.
Wraz z nimi LL Cool J spopularyzował styl B-Boy z kubełkowymi czapkami Kangol, złotą biżuterią, workowatymi ubraniami i najbardziej znanymi, markowymi trampkami. B” w B-Boy oznacza przerwę, a termin ten odnosi się do kogoś, kto tańczy w przerwach muzyki.
Run-DMC stale nosili klasyczne białe trampki Adidasa z zaokrąglonymi palcami i charakterystycznymi trzema paskami po bokach, co doprowadziło do tego, że ich menadżer zasugerował piosenkę o tej marce.
Grupa wykonała utwór „My Adidas” przed uwielbiającymi ją fanami i ważniakiem z firmy w Madison Square Garden, a pierwsza umowa między podmiotem niebędącym sportowcem a linią odzieży aktywnej została zawarta. Umowa warta milion dolarów połączyła na zawsze modę hip-hopową i odzież sportową. Trio reprezentowało Adidasa z jego własną linią trampek i dresów.
Jednak odzież sportowa to tylko jedno oblicze mody hip-hopowej. Inny sektor, high fashion, również zaczął integrować się z kulturą w latach 80.
Daniel „Dapper Dan” Day, król luksusu z Harlemu, otworzył swoje atelier w 1982 roku. Jego projekty pojawiały się na ubraniach Big Daddy Kane’a, LL Cool J i Biz Markie. Krawiec wywalczył sobie drogę na szczyt dzięki wprowadzeniu etykiet i sylwetek haute couture do odzieży ulicznej.
Jego połączenie czarnego nowojorskiego stylu z luksusowymi markami, choć w latach 90. wpędziło go w kłopoty prawne, do dziś uznawane jest za geniusz, nawet przez te same domy, które kiedyś uznały jego innowacje za tak obraźliwe. W 2019 roku ukazała się kolekcja Gucci-Dapper Dan, oficjalnie wspierana przez Gucci.
Dapper Dan uznał, że wysoka moda jest duża, nawet w Bronksie, Brooklynie, Harlemie i Queens. Był pierwszym projektantem, który odważył się umieścić etykietę Louis Vuitton na takich przedmiotach jak czapki zamiast na torebkach. To spodobało się jego klientom, którzy chcieli, aby etykieta „high fashion” znalazła się na przedmiotach bardziej reprezentatywnych dla ich codziennej odzieży.
Noszenie haute couture był symbolem statusu i klasy, to pokazał swoje aspiracje. Ralph Lauren Polo i Tommy Hilfiger podchwycił ten apel i pozwolił na swobodną reklamę bez poparcia, z tym ostatnim idzie tak daleko, jak rozdawanie darmowych przedmiotów w dzielnicach o niskich dochodach w Nowym Jorku.
Dapper Dan jest również znany z przyjęcia afrocentryzmu w latach 80. i 90. Celebrując swoje dziedzictwo, czarni artyści hip-hopowi, zwłaszcza panie z Salt-N-Pepa i artyści z kolektywu Native Tongues, wypowiadali się w odważnych wzorach, jaskrawych kolorach, afrykańskich nadrukach, tkaninach Kente i ciężkiej biżuterii.
The Jungle Brothers, De La Soul i A Tribe Called Quest podkreślali czarną dumę pozytywnymi tekstami i afrykańskimi ubraniami. Niektórzy wywodzą popularność grubych złotych łańcuchów, noszonych przez Kurtisa Blowa, LL Cool J i Run-DMC, z afrykańskiej historii plemiennej. W początkach hip-hopu zwycięzcy rapowych bitew na ulicy wygrywali biżuterię i nosili ją jak złoty medal olimpijski.
Jednak styl Public Enemy w tej samej epoce maszerował w rytm własnego automatu perkusyjnego. W późnych latach 80-tych, kamuflaż i wojskowe fatigue Public Enemy dopełniały ich postawę walki z korupcją w polityce i policji. Ich wybory modowe były wyraziste i przyciągały uwagę polityków.
Tak jak w przypadku rozwijających się form sztuki, lata 80. były świadkiem różnorodności mody hip-hopowej i zmian. Był to czas eksperymentowania ze stylem.
W zależności od sąsiedztwa i osobistego stylu, szeroki wachlarz przedmiotów składał się na modę hip-hopową. Na Brooklynie królowały loafersy Clarksa, spodnie ze skóry rekina, okulary Cazala i kangury, a Harlemersi wyróżniali się dopasowanymi welurowymi dresami i trampkami tych samych marek. Dzieciaki z Bronxu mieszały style Brooklynu i Harlemu, nosząc dżinsy, trampki, bluzy z kapturem i T-shirty.
Moda Hip-Hop lat 90
Moda hip-hopowa w latach 90. podążała różnorodnymi śladami poprzedniej dekady. Hip-hop szybko przeniknął do głównego nurtu dzięki telewizji, a w szczególności MTV.
Grupy R&B takie jak Boyz II Men uczyniły modę hip-hopową swoją własną, a MC Hammer wprowadził do gry swoje osławione spodnie haremowe (a.k.a. „hammer”). The Notorious B.I.G., jeden z pierwszych autorytetów mody hip-hopowej, wprowadził na scenę australijską dzianinę Coogi; jasne i odważne swetry zalały ulice.
Oversized white T-shirts, sportswear i sneakersy nadal służyły jako podstawa hip-hopowej garderoby, z napływem puffy jackets, Timberland work boots, flannel shirts i więcej denimu w postaci kurtek, dżinsów i kombinezonów.
Cross Colours, jedna z pierwszych marek hip-hopowych należących do czarnych, powstała, gdy jej założyciel zauważył młodych mężczyzn noszących dżinsy o cztery do pięciu rozmiarów za duże. Przyjeżdżając z Kalifornii do Nowego Jorku, Carl Jones zdał sobie sprawę, że może zaspokoić zapotrzebowanie na dżinsy baggy. Zaczął produkować workowate dżinsy z mniejszymi taliami, aby użytkownicy mogli zrezygnować z dużych pasków. Rozmiar 36 pasowałby na talię 32.
Kostiumografowie „Fresh Prince of Bel-Air” i „In Living Color” chętnie sięgnęli po projekty Cross Colours. Jones i jego koledzy w pojedynkę zmienili rynek młodych mężczyzn z dopasowanego na baggy.
Czarni artyści i celebryci, tacy jak TLC, Snoop Dogg, Muhammad Ali, Jamie Foxx, Magic Johnson i Stevie Wonder, reprezentowali markę. W ciągu pierwszych czterech lat działalności zarobiła 100 milionów dolarów.
Z Cross Colours wyrosło wiele hip-hopowych marek odzieżowych, w tym FUBU, Sean John, Mecca, Parish Nation i Karl Kani. FUBU (For Us By Us) noszona przez NSYNC i LL Cool J w reklamie Gap, zarobiła 350 milionów dolarów w ciągu pierwszych kilku lat działalności, mimo że do 1996 roku starała się wylądować w domach towarowych.
Walka o interesy z korporacjami w Ameryce była prawdopodobnie spowodowana piętnem przypisanym hip-hopowi. Po pierwsze, osoby spoza kultury postrzegały go jako krótkotrwałą modę, a po drugie, miejska odzież uliczna była uważana za odzież gangów, co odzwierciedlało społeczeństwo wciąż zmagające się z problemem integracji i równości.
Wraz z popularyzacją gangsta rapu, dzięki grupom z Zachodniego Wybrzeża, takim jak NWA, na scenę wkroczyły bandany, symbole barw gangów z LA. Public Enemy wniósł do mody hip-hopowej bardziej militarny smak stylu.
Przenikanie gangsta rapu do amerykańskiej kultury doprowadziło do odcięcia się Adidasa od hip-hopu, pozostawiając miejsce dla nowo powstającej marki.
Kiedy w latach 80-tych Nike wsparła gwiazdę NBA, Michaela Jordana, miało to wpływ na całą czarną Amerykę. Hip-hopowy tłum nosił Air Jordany jako odzież rekreacyjną i to na zawsze zmieniło modę.
Drzwi nagle otworzyły się szeroko na współpracę celebrytów z liniami odzieży aktywnej. Gwiazdy hip-hopu przyjęły kurtki i snapbacki marki Starter, która współpracowała z profesjonalnymi drużynami sportowymi. W tym czasie na scenie pojawiły się również koszulki Throwback i bluzy Champion.
Lata 2000
Gdy hip-hop trafił do głównego nurtu amerykańskiej kultury i został dobrze przyjęty, rynek nasycił się hip-hopową odzieżą, zwłaszcza z własnych linii raperów. Eksperci od mody i marketingu uważają, że upadł on z powodu konkurencji i braku siły przebicia.
Ale linia Sean John P. Diddy’ego wyróżniała się. Była bardziej wyrafinowana, mieszając modę miejską z haute couture. W 2004 roku Rada Projektantów Mody Ameryki (CFDA) przyznała Seanowi Johnowi nagrodę dla projektanta odzieży męskiej. Sean „P. Diddy” Combs był pierwszym Afroamerykaninem, któremu udało się osiągnąć ten prestiżowy zaszczyt.
Hip-hopowy streetwear również przetrwał. Luźne ubrania artystów z lat 80-tych i 90-tych stały się jeszcze większe, w tym oversize’owe białe koszulki, workowate dżinsy i duże paski. Denim on denim i throwback jerseys również oddawały szacunek klasycznemu wyglądowi B-Boy’a z ostatnich dwóch dekad, podczas gdy workowate spodnie camo przypominały Public Enemy.
Ale z nowymi artystami, takimi jak Lil Wayne, 50 Cent, Eminem i Ludacris, nadmierne tatuaże i grille zastąpiły złote łańcuchy. Opaski, bandany, du-rags, czapki trucker i snapbacki z naklejonymi błyszczącymi naklejkami zdominowały nakrycia głowy. Nike Air Force 1s wróciły z zemstą na scenę sneakersową, a w 2009 roku Nike wypuściło Air Yeezy 1 z Kanye Westem.
Lata 2010
Niezależnie od tego, jaka jest twoja opinia o Kanye West, niezaprzeczalne jest to, że odegrał on dużą rolę w modzie hip-hopowej w ostatniej dekadzie. W 2013 roku współpraca Kanye z francuskim domem mody A.P.C. obejmowała „hip-hopową koszulkę” w zwykłej bieli. W 2015 roku współpracował z Adidasem, aby wydać Yeezy Boost 350 po zerwaniu więzi z Nike.
W ciągu ostatniej dekady Kanye i Jay-Z rozwinęli czystszy styl określany jako „proper swag”, który jest dziś powszechny wśród gwiazd, w tym A$AP Rocky’ego i Pharrella.
Właściwy swag obejmuje takie elementy garderoby jak dopasowane garnitury projektantów i koszulki polo w połączeniu z dopasowanymi dżinsami. A$AP Rocky współpracował z Dior i Calvin Klein pod koniec lat 2010, a Billionaire Boys Club Pharrella żyje od czasu jego założenia w 2003 roku.
Wraz z powrotem hip-hopu do wysokiej mody, haute couture również rozszerzył swój zasięg na hip-hop. W 2017 roku na jesiennym pokazie dla kobiet Marca Jacobsa pojawiły się dresy, grube złote łańcuchy i płaszcze retro w ukłonie do wczesnych dni. Jacobs komentował swoją fascynację modą hip-hopu, którą uznał za dobrze zbadane ubieranie się w casualowe ubrania sportowe.
Ale nie wszyscy byli fanami. W odpowiedzi na to, co niektórzy postrzegali jako zaprzedanie się wysokiej modzie, powstał nostalgiczny ruch hypebeast. Ożywił on stare hip-hopowe elementy, takie jak snapbacki i graficzne koszulki. Rebranding Pyrex Vision odegrał znaczącą rolę w tym powrocie.
Zarówno artyści, jak i fani znajdują się na różnych krańcach spektrum, jeśli chodzi o hip-hop i haute couture. Niektórzy twierdzą, że kultura zawsze skłaniała się ku projektantom mody, powołując się na sukces Dapper Dana w latach 80. Inni odrzucają antyestablishmentową postawę od dawna zakorzenioną w hip-hopie.
Moda Hip-Hopowa dzisiaj
Pomimo sprzeciwu, wpływ Kanye Westa na modę hip-hopową pozostaje silny do dziś. W 2021 roku, wydanie nowej linii Yeezy z Gapem rozbiło stronę internetową Gap. Bluza Yeezy wyprzedała się w ciągu kilku minut, a okrągła puffy jacket sans zipper jest teraz sprzedawana za trzykrotność swojej pierwotnej ceny.
A Kanye nie jest jedynym artystą współpracującym z modą. Chociaż kolekcja trampek Cactus Jack Travisa Scotta z Diorem została przesunięta na czas nieokreślony, inne gwiazdy mają ostatnio linie z takimi markami jak Cardi B x Reebok; Beyoncé z Adidasem; Drake, Kendrick Lamar i Lil’ Nas X z Nike, a lista jest kontynuowana.